Amor. Michael Haneke.

Cuando el amor duele…

 

En mi opinión ‘Amor’ es quizá la película más comercial de Haneke, y creo que aunque no te guste su cine, esta peli te gustará porque te acaba atrapando.

Más que una película es la propia vida lo que nos retrata el director Lo doloroso de la película es que el espectador es partícipe de cómo por mucho que haya sido el ser humano durante todas sus vivencias acaba siendo nada. Porque todos nos acabamos marchitando. A veces solos, a veces acompañados, pero el final del camino es igual para todos. Y aún quizá sea más doloroso si hay amor de por medio.

Pues bien, es prácticamente de esto de lo que trata el film.

La esencia de ‘Amor’ recae en sus dos (prácticamente únicos) protagonistas, Georges y Anne, un matrimonio octogenario, que han dedicado su vida a la enseñanza de música clásica. Ahora viven sus últimos días en su piso de París. Su hija también se dedica a la música pero vive en Londres, por lo que ve poco a sus padres, tan sólo cuando su presencia es requerida.

Un día Anne sufre un infarto y un lado de su cuerpo queda paralizado por lo que Georges se verá obligado a ser el apéndice de su esposa las 24 horas del día. De forma que este hecho se convierte en una prueba para el matrimonio, ¿serán capaces de superar juntos tan dura prueba y mantener unido el amor que durante tantos años se han profesado?

Aunque muy triste es una película (que al igual que ‘Arrugas’) es necesaria ver.

 

Balada triste de trompeta. Álex de la Iglesia.

Película perfecta para tomar como ejemplo de cómo no nos tenemos que dejar guiar por la crítica que tiene, pues de haber sido así yo nunca la habría visto ya que me habían hablado fatal de ella, y sinceramente, tras su película ‘El día de la Bestia’, ‘Balada triste de trompeta’ se posiciona en segundo lugar como mejor película, siempre en mi opinión claro, de este carismático director. La pongo incluso por encima de la ‘Comunidad’ muy buena película también por cierto.

‘Balada triste de trompeta’ es puro cine de autor, Álex de la Iglesia se arriesgó muchísimo a filmar algo que costaría (y costó) cuajar en su público, acostumbrado a sus ácidas comedias. Más aún si contamos con que ‘Balada’ aterrizó tras haber rodado la serie ‘Plutón BRB Nero’, ‘Crimen Ferpecto’, ‘La comunidad’ o ‘Muertos de risa’, de modo que este nuevo largometraje supuso una ostia a mano abierta en el espectador. De ahí creo yo su mala crítica por parte del público.

Metiéndonos ya en el argumento, la película comienza en 1937 cuando en plena guerra civil tropas republicanas irrumpen en un circo para reclutar a sus empleados con el fin de luchar contra los nacionales. Mucho tiempo después el hijo de uno de los reclutados se convierte en payaso como lo era su padre. Comienza a trabajar en un circo dónde tendrá que lidiar con el payaso protagonista por el amor de la trapecista. Ojo, este es el argumento edulcorado, no contaré nada más, prefiero que la veáis y juzguéis por vosotros mismos.

 

Arrugas. Ignacio Ferreras.

Aunque realmente triste por el realismo con el que trata el tema es imprescindible.

 

‘Arrugas’ es un largometraje de animación en 2D para adultos, basado en el cómic homónimo de Paco Roca. En mi opinión lo han hecho de animación porque si lo hubieran filmado en modo película sería terriblemente desgarrador (y aún así lo es).

'Arrugas’ nos cuenta la historia general de como las personas cuando llegan a cierta edad son repudiadas por sus familiares a geriátricos porque comienzan a ser un estorbo en el día a día de sus vidas. No hay que generalizar, pero en la mayoría de los casos la cruda realidad es esta.

De modo particular se centra en la vida de Emilio, un antiguo director de banco que ahora padece alzheimer. Su hijo viéndose imposibilitado para llevar una vida placentera decide ingresar a su padre en una residencia, con piscina eso sí, para que el viejo pueda nadar… Allí Emilio, conocerá a Miguel, un argentino con mucha chispa que le ayudará a que sus días sean más llevaderos.

En la residencia existen dos plantas, la primera dónde los viejitos campan a sus anchas, y la segunda dónde viven todos aquellos ancianos seniles. Emilio por su alzheimer está condenado a terminar en la segunda planta, pero para ello está Miguel quién ayudará junto con la ayuda de otros “amigos” a que Emilio no termine allí.

La película es realmente triste la verdad, pero es necesaria ver para darnos cuenta de cómo por mucho que seas en la vida terminarás siendo nada. Ahora eres tú quién puede desechar a un anciano pero piensa que mañana también serás tú el que esté en su lugar.

 

Nuestro último verano en Escocia. Andy Hamilton, Guy Jenkin.

La verdad que hacía tiempo que no veía una comedia tan original, con un argumento tan bien planteado y con unas interpretaciones tan sublimes.

'Nuestro último verano en Escocia' es una comedia del más puro cine independiente que quizá se haya hecho en los últimos tiempos.
Con un argumento muy loco pero que entre todos consiguen que el espectador lo vea como la cosa más normal del mundo, consiguen llegar de pleno a todo su público.

La verdad que no quiero desvelar mucho de la trama porque lo mejor es verla sin ningún tipo de prejuicio y sin saber realmente de que trata. Pero he de decir que la recomiendo y que es una de las mejores películas que he visto en todo este 2015.

Se nos cuenta la vida de Doug y Abi, un matrimonio en horas bajas que decide ir a visitar al abuelo durante el verano. Es así como emprenden un viaje hacia Escocia, acompañados de sus encantadores a la vez que excéntricos hijos.
Allí participarán en una gran reunión familiar y se reencontrarán con Gordie, el extravagante padre de Doug.
Sin embargo, lo que prometían ser unas vacaciones para la reconciliación pronto se convierte en un campo de minas no exento de situaciones hilarantes en el que rencores familiares, malentendidos y egos maltrechos conforman el orden del día. Cuando los niños precipitan un giro inesperado en los acontecimientos, la familia se ve obligada a aparcar sus diferencias y a colaborar, pues de lo contrario corren el riesgo de perder aquello que más aprecian.

Amy (La chica detrás del nombre). Asif Kapadia.

'Amy (La chica detrás del nombre)', no es sólo un documental sobre uno de los iconos musicales más revolucionarios de lo que llevamos de siglo XXI. Es más bien un tributo hacia una persona que, desde mi humilde opinión, muy pocos conocieron, y quienes si lo hicieron tan sólo la utilizaron como una máquina de hacer dinero y la destrozaron hasta su muerte.

También tuvo buenos amigos que intentaron ayudarla a salir del agujero donde estaba metida y hundiéndose poco a poco, pero eran más fuertes los del 'otro' lado, los que la empujaban a la destrucción. Y no es que no se dejara ayudar, es que no dejaron que fuera ayudada.

La verdad, es que mi concepción de Amy Winehouse, hasta el momento del visionado del documental, era de una cantautora genial a la que la fama, el dinero y el vicio la habían arrastrado hasta el fango más absoluto.

Mi imagen de ella, era en realidad (como la que probablemente, tenga mucha gente) una distorsión de la verdad. También es cierto, que siempre nos movemos influenciados por la opinión y crítica de los "mass-media", y lo que éstos nos hacían creer, era que el vicio y la fiesta estaban acabando con ella, y finalmente así lo hicieron.

De hecho, recuerdo ahora, el día en que murió, que pensé algo así como... "normal, la gente con tanto dinero y con un ego tan subido, termina con un descontrol tal que le afecta a todos los ámbitos de la vida. No se puede ser tan irresponsable con uno mismo".

Ahora lo pienso, desde la distancia y una vez visto el documental, y pienso en cuán equivocada estaba yo, y probablemente la mayoría de la gente que una de dos, no conociera verdaderamente a la cantante, o no supiera lo que se escondía detrás del nombre.

Este documental nos cuenta con toda la crudeza lo que se esconde detrás del mito. Y sinceramente, yo me he quedado completamente destrozada al ver como la manipularon y destrozaron hasta que finalmente murió. Sus padres, su pareja... entre todos la mataron y ella sola se murió.

Habría que analizar como ésta, las vidas de otros de los componentes del llamado 'Club de los 27', que apuesto, y seguro que no me equivoco, que tuvieron la misma suerte que Amy Winehouse. 

Este documental cuenta con imágenes inéditas de archivo y entrevistas con la malograda estrella, que murió en julio del 2011 a los 27 años de edad por parada cardíaca consecuencia de sus excesos con las drogas y el alcohol, adicciones agravadas por su bulimia. Amy Winehouse, ganadora de 6 Premios Grammys, se vio desde muy joven afectada por el divorcio de sus padres. Tenía un talento natural para el jazz y el soul y una voz prodigiosa que pronto la hizo una estrella mundial a pesar de lanzar sólo dos discos, pero la fama, la prensa sensacionalista, los intereses de la industria -y de su entorno- y su turbulento amor con el que fue su pareja Blake Fielder-Civil la condujeron finalmente a su trágico destino en su piso de Camden, Londres.

No solo es recomendable, sino casi obligatorio ver lo que se cuece detrás de las grandes estrellas.

The Master. Paul Thomas Anderson.

"The Master" es un drama (y en mi opinión una crítica) sobre la Iglesia de la Cienciología (aunque posteriormente se han querido desmarcar de ello). Cuenta la historia de Lancaster Dodd (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones que crea una organización religiosa en la década de los 50.

Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer seguidores a Freddie le entran dudas. 

Merece muchísimo la pena verla. Te puede gustar más o menos el argumento pero lo que está claro es que las interpretaciones son algo más que magistrales. En el caso de Joaquín Phoenix, su personaje queda tan adherido a su piel que en ocasiones te preguntas si es que realmente él es así.

En cuanto al argumento, está muy bien poder ser partícipe del nacimiento y consagración de la mayor secta habida hasta el momento. También muy destacable el ritmo de la cinta, y la sublime actuación de Hoffman. 

El profesor (Detachment). Tony Kaye.

... O la importancia de la educación en las personas...

Esta es la historia de un profesor, pero sobre todo de un hombre con un auténtico don para conectar con sus alumnos y con las personas, sin prácticamente él proponérselo. 

Henry, es un profesor sustituto que vaga de un colegio a otro pues no quiere ataduras emocionales ni con el profesorado ni con el alumnado; sin embargo por poco tiempo que permanece en un sitio consigue conectar con las personas de forma inmediata. 

De este modo, la película comienza con la llegada de Henry (Adrien Brody) a un instituto dónde la frustrada administración ha conseguido volver totalmente apáticos a los alumnos, de forma que Henry no tarda en convertirse en un ejemplo a seguir para los adolescentes, estableciendo una conexión emocional con ellos, en especial con una chica que ha sido brutalmente marginada por su aspecto físico en el aula y el colegio, pero también marginada por sus padres que no comprenden su verdadera vocación: la pintura. 

Por si esto fuera poco, además de batirse en duelo día sí día también con profesores y alumnos, Henry se ve prácticamente obligado moralmente a recoger a una adolescente prostituta de la calle para intentar ayudarla.

Película dolorosa pero imprescindible. 

Cambio de sexo. Vicente Aranda.

El otro día, por casualidad, me encontré con esta película, una de esas que se graban a fuego en tu retina, y de la que doy por seguro que jamás olvidaré, no sé por qué... pero me ha marcado un montón.

El siempre controvertido y enigmático Vicente Aranda, dispuesto a armar revuelo y a revolucionar al personal con su cine nada discreto, seguro que lo hizo en 1977 con esta película. 

Si a día de hoy sigue pareciendo "fuerte" no me quiero ni imaginar en aquellos años, con España recién salidita de su peor dictadura... para flipar, vamos.

El argumento, es una historia real, el guion escrito por el propio Aranda, está basado en la novela de un tal Duran, que intuyo, es uno de los personajes de la película.

Se nos cuenta la historia vital de José María, un joven de 16 años que se siente desde siempre una mujer encerrada en un cuerpo de hombre. 

Como casi toda familia de la época, el padre del muchacho es un fascistón que cree en el dicho ese de 'la letra con sangre entra', y cuando al joven lo echan del colegio por "mariquita" será el propio padre el encargado de educarlo a base de humillaciones, golpes y prostitutas.

Pero José María no se siente enfermo, sino discriminado e incomprendido asi que decide huir a Barcelona, donde entra en contacto con un club de 'streptease' y conoce a Bibi Andersen otra persona que en su momento fue incomprendida, pero gracias a su lucha constante consiguió salir adelante. Es a partir de este momento, cuando empieza la verdadera lucha de María José.

Película muy, muy recomendable. Con una Victoria Abril y una Bibiana Fernández completamente desconocidas, en sus primeros papeles, y que de seguro les supuso un trampolin hacia el estrellato. Chapó!

Esplendor en la hierba. Elia Kazan.

"Esplendor en la hierba" transcurre en una localidad rural de Kansas, en la que dos jóvenes que pertenecen a ambientes sociales muy distintos se aman y deciden no separarse jamás; pero a desaprobación de sus familias y ciertos intereses ajenos a sus sentimientos acabarán decidiendo su suerte.

Es ante todo una muy buena crítica a la sociedad estadounidense del momento que se erigía como la sociedad modelo a seguir. En ella podemos ver que más que un modelo era ante todo la antítesis de éste, donde las apariencias, el dinero y el poder era lo que primaba por encima de todo, hasta de la propia felicidad.

La verdad es que si te detienes un solo segundo a pensar en ella, te puedes dar cuenta que desde los años 20 del siglo pasado a la actualidad muy pocas cosas han cambiado. Seguimos moviéndonos por los mismos intereses de siempre. Triste pero cierto. 

La cinta blanca. Michael Haneke.

"La cinta blanca" versa sobre unos accidentes inexplicables que tienen lugar y perturban la tranquila vida de un pueblo protestante del norte de Alemania durante 1913.

Si te gusta el cine de Haneke 'La cinta blanca', te gustará. Engloba la esencia y el arte de este peculiar director, que a mi personalmente, me encanta. Se trata de una historia sencilla, explicada pausadamente, con planos infinitos que te dejan tiempo para pensar, recapacitar y reflexionar acerca de lo que les acontece a los personajes.

El argumento como ya he dicho gira en torno a la vida de un pequeño pueblo alemán que bien podría tratarse de cualquiera de esa época. El papel protagonista pero no por ello central recae en un maestro de escuela que nos va narrando la historia con una voz en off enternecedora, pero allí todos son protagonistas.

Con una moraleja final buena y con algo que aprender: la educación basa en el maltrato no es la más óptima para que lo hijos sean buenos.

Happiness. Tod Solondz.

Ácida, irónica, desagradable, crítica... son tan sólo unos pocos adjetivos que pueden calificar a "Happiness" (que valga decir muestra de todo menos felicidad). Es una excelente crítica al sistema de vida americano (vamos que deja a 'Los Simpsons' y a 'South Park' a la altura de betún), pero creo que en ciertos aspectos a Solondz se le ha ido un poco de las manos. Aún así, es digna de ver, aunque no de recomendar... No obstante me atrevo a hacerlo xD

De forma breve el argumento es este: una irónica película que trata sobre los miembros de una familia de un suburbio de Nueva Jersey. Un matrimonio a punto de divorciarse, tres hermanas y sus maridos, novios y amantes ocasionales. Tras una aparente normalidad, todos los personajes ocultan algún secreto y alguna que otra perversidad. 

Historias del Kronen. Montxo Armendáriz.

Bueno, en cuestión de pocos días de diferencia, he visto, las que quizá sean las mejores películas que Montxo Armendáriz tenga en su haber: 'Historias del Kronen' y 'Tasio'. 

Son además, las películas más diferentes entre ellas de toda su filmografía. Y ambas te dejan al terminar bastante pensativ@

Lo cierto es que nunca había valorado especialmente el cine de Armendáriz, sobre todo, porque la última suya que vi, creo recordar que fue 'Obaba' y no me gustó nada. Me pareció una película flojísima, por decirlo de alguna manera, hecha por hacer. Porque ya tocaba, vamos.

Sin embargo las del inicio de su carrera no tienen nada que ver. Son películas realizadas desde el corazón, que cuentan historias llenas de vida y con mucha alma. Luego su carrera va decayendo. Siempre en mi opinión, claro.

'Historias del Kronen' es un film que marcó a toda una generación, la generación que vivía su juventud en mitad de los 90 y que queda retratada en la película.

Entonces, como ahora, había gente de todo tipo, gente que salía a disfrutar poniéndose hasta las cejas y los que disfrutaban igualmente controlando un poco más. Pero todos ellos tenían la libertad por bandera, el pasar de todo, el salir para divertirse y ligar, el ir creciendo a golpe de ostias que te va dando la vida, sin escuchar a sus mayores, odiando a sus padres y creyéndose el centro del Universo.

Como suele pasar siempre, luego se va creciendo y al mirar hacia atrás y verte de joven sientes cierta nostalgia y cierta "pena" hacia tus padres a los que, entonces, tratabas como una mierda y ahora miras y piensas... cuánta razón tenían! y más aún si hoy en día eres tu el padre o la madre!!

En fin, 'Historias del Kronen' es una película de sexo, drogas y muerte en las calles del Madrid del 95.

Un grupo de amigos se reúne cada noche en la cervecería 'Kronen', son jóvenes con pocas expectativas y que aprovecha la noche para vivir sus aventuras de la forma más excitante posible.

Cualquier placer es bienvenido en la noche, ya sea la velocidad, el sexo, las drogas, la prostitución. Placeres, todos ellos que pueden llevar al límite y la muerte.

Es además una de las primeras películas que trato de forma lógica y normal el tema de la homosexualidad, sin pasar de puntillas por él, sino tratándolo de forma completamente cotidiana.

En fin, la recomiendo.

Los idiotas. Lars Von Trier.

'Los idiotas' es sin lugar a dudas la película más controvertida que he visto del maestro Von Trier. Hasta este momento creo que su lugar lo ocupaba la siempre enigmática 'Dogville' , peliculón donde la originalidad y la creatividad campan a sus anchas. Pero en cuanto a 'controversia' se refiere 'Los Idiotas' está mucho mejor posicionada.

'Los Idiotas' es la segunda película del revolucionario movimiento 'Dogma'. Un manual de reglas inventadas por los directores Lars Von Trier y Thomas Vinterberg, a partir de un manifiesto, en el que se comprometen a filmar sus películas sin utilizar música, ni decorados, ni iluminación artificial y rodando con cámara en mano. Fueron varias las pelis que se rodaron bajo este 'dogma'. Y valga la redundancia, 'Los idiotas' es en sí un dogma, un mandato que todos los implicados han de seguir. 

El siempre provocador Von Trier, "mezcla" en este film a un grupo de jóvenes que comparten un mismo interés: la idiotez. 

La idiotez inventada y provocadora como síntoma de putrefacción social y como método para salpicar y vomitar a la sociedad su propia estupidez y ridiculizar bajo este método su supuesto saber estar, bajo la esclavitud de ciertas normas sociales artificiales e impuestas. 

Es así como, este grupo de amigos "idiotas" se reúnen en una casa de campo dónde pasan su tiempo libre juntos explorando los ocultos y poco apreciados valores de la idiotez. 

El objetivo grupal consiste en enfrentarse a la sociedad con sus idioteces, ridiculizar a las personas y sobre todo hacerlas pasar un mal rato.

En una de éstas es cuando Karen, una mujer solitaria y reservada, se une al grupo después de participar involuntariamente en una de sus acciones. 

Te puede gustar, más o menos, pero una cosa está clara, y es que Von Trier no deja indiferente a NADIE!

La torre de los siete jorobados. Edgar Neville.

'La torre de los siete jorobados' pertenece a este tipo de cine español poco conocido y oculto. En su tiempo debió de considerarse como una película rara y probablemente no cuajó en el público de aquella época. 

Hablamos de la década de los 40 en España con la posguerra en su máximo esplendor.

Los ciudadanos de aquellos tiempos estaban necesitados de películas edulcoradas, cómicas o románticas más que de este tipo de films, en los que destaca el misterio, la intriga y el terror psicológico. Procedente de la novela de Emilio Carrere, el siempre contreovertido Edgar Neville, se atrevió a llevarla al cine, con mucha mano izquierda y creando una joya que llega hasta nuestros días como una de las mejores películas que se hicieron en blanco y negro y en España en aquella época.

Apuesto a que sería un éxitazo total en taquillas si hoy en día se hiciera un remake de la misma.

'La torre de los siete jorobados' transcurre en el Madrid castizo de finales del siglo XIX. Por las calles de la ciudad vaga el enigmático fantasma del doctor Mantua, quien revela al joven Basilio la existencia de una ciudad subterránea en la que habitan unos sienestros personajes dedicados a actividades criminales.

Basilio consigue dar con la torre de los siete jorobados, en cuyo interior permanece secuestrada, hipnotizada y drogada la joven Inés, sobrina del doctor. Basilio, hará todo lo que esté en su manos por ayudar a Inés y por desenmascarar a los criminales malhechores, aunque las cosas no serán nada fáciles para el joven.

Muy recomendable. 

Frank. Lenny Abhamson.

'Frank' es una película no apta para todos los públicos, pues los amantes del cine comercial se aburrirán soberanamente viendo una peli como ésta.

'Frank' está dedicada y destinada para los amantes del más puro cine independiente, en su rama de comedia; para los amantes de la música ecléctica del tipo (aquí en España) 'El Columpio Asesino' o 'Nudozurdo' y para los amantes de lo bizarro.

En realidad es una película con una enseñanza pura, que es al mismo tiempo el estilo de vida de la gente que vive de algún modo apartado de las masas y de las opiniones mayoritarias (si es que se puede llegar a vivir así). 

Y no es otra cosa que hacer lo que realmente amas sin importar lo que piensen el resto, ni el prestigio o por contra desprestigio que pueden acarrear tus actos.

La verdad que no quiero decir mucho más para no 'spoilear' pero digamos que, la enseñanza real es... si un cuerdo se introduce en un 'mundo de locos' ¿quién es el loco?, ¿el que vive conforme a sus propias normas morales aunque no estén bien vistas..., o el qué vive de acuerdo a las normas sociales dictadas por el entorno?

En todo esto, el cuerdo es Jon (Domhnall Gleeson), un joven aspirante a músico y cuya meta en la vida es hacerse famoso y ser reconocido mundialmente. Por casualidades del destino acaba uniéndose a un grupo de excéntricos músicos pop liderados por el enigmático Frak (Michael Fassbender) y su neurótica compañera Clara (Maggie Gyllenhaal). 

Los caminos de estos personajes se acaban cruzando, para de algún modo desembarcar en un destino caótico para todos.

Muy recomendable.

El exótico Hotel Marigold. John Madden.

John Madden es uno de esos cineastas que lo mismo dirige una película romántica tipo 'Shakespeare in love', que un drama como 'Proof' o un film de acción como 'Tiro Mortal', quizá sea por esta característica polifacética suya por lo que todas sus películas tienen un halo especial que las hace entretenidas y únicas.

'El exótico Hotel Marigold' la vi hace bastante tiempo, de hecho fue en el cine cuando la estrenaron, hablo ahora de ella, porque me extraña no haberlo hecho antes ya que fue una película que me encantó. 

Se trata de una película dirigida a un público muy segmentado en mi opinión: gente adulta de ambos sexos a partir de los 45 años y mujeres desde los 28. Quizá quede un poco mal hablar de edades y discriminar por sexos en cuanto a cine se refiere, pero no me veo a un chaval de 18 años disfrutando de una película así, aunque porqué no decirlo, sería encantador. 

El argumento gira en torno a un grupo de ancianos ingleses que deciden disfrutar de su jubilación en un pueblo de la India, concretamente en un hotel regentado por un joven y simpático indio. 

Pronto las diferencias culturales se pondrán de manifiesto creándoles todo tipo de problemas. 

En clave de humor con puntos dramáticos se nos presenta esta entrañable y simpática película que gustará a todos. 

Tasio. Montxo Armendáriz.

La otra noche, en el ciclo de 'Historia de nuestro cine' de La 2, de la que ya me declaro fan absoluta, pusieron la peli "Tasio". La verdad es que no invitaba mucho a su visionado pues la temática semanal era vida rural... pero luego me acorde de películas como 'Los santos inocentes' o 'La colmena' que en su momento me encantaron y me animé a verla.

Una joya en toda regla.


'Tasio' nos cuenta la historia de un hombre anclado en una sociedad y un medio rural y prácticamente analfabeto. La trama transcurre en la España de los años 40-50, un país aplastado por la bota de la pobreza y la dictadura y sometido a las leyes de los más fuertes. En este entramado social se encuentra 'Tasio' un chico libre que siempre ha vivido conforme a sus leyes naturales y que conforme va creciendo se da cuenta que por muy mal que se pongan las cosas siempre será feliz mientras pueda respirar libre en el bosque, viviendo únicamente bajo sus propias leyes.
Es así como decide vivir trabajando para el mismo, siendo carbonero, en lugar de para terratenientes explotadores. A esto se le suma la caza furtiva que le traerá más de un problema. Pero Tasio no está dispuesto a renunciar a su libertad bajo ningún concepto.
Se tendrá que enfrentar a la Guardia Civil de aquellos tiempos, que no eran otra cosa que los brazos ejecutores del más cruel franquismo, acostumbrados a vejar y dar ostias como panes a los ciudadanos de a pie, Tasio tampoco se arrodillará ante ellos.

Sinceramente, estamos ante una película cuya premisa fundamental es el amor a la libertad, a la naturaleza y a la tierra. Toda una enseñanza y sin lugar a dudas la primera y mejor película de Montxo Armendáriz.

Magical Girl. Carlos Vermut.

'Magical Girl' no sólo supone la consagración de Carlos Vermut como uno de los mejores cineastas del cine español en estos momento, sino que además es una de las mejores películas españolas que recuerdo haber visto hasta la fecha. 

Un drama como la copa de un pino, si, pero también un peliculón que pasó de puntillas y sin hacer ruido por las salas de cine pero que afortunadamente fue reconocida en el 'Festival de San Sebastián' y en menor medida en los 'Premios Goya', aunque su mayor triunfo sin duda, ha sido meterse en el bolsillo a prácticamente toda la crítica especializada y gran parte del público. 

Es una historia que se va hilando y tejiendo poco a poco a modo de varias historias con unos personajes dispares y que a priori no tienen nada que ver entre ellos. Es algo así como que el destino va uniendo a las personas de acuerdo a sus circunstancias, historias y estilos de vida. Y es que no hay mejor hilo que las desgracias. 

El personaje principal, Luis (Luis Bermejo), es un profesor de literatura, cuya hija Alicia, está muriendo de cáncer. 

Como último deseo de la niña, decide regalarle el vestido oficial de la serie japonesa de anime "Magical Girl Yukiko". El vestido en cuestión cuesta un potosí, por lo que Luis intenta encontrar el dinero de forma desesperada, y el destino le brinda una oportunidad única al conocer a Bárbara (Bárbara Lennie), una atractiva joven casada que subre trastornos mentales.

Bárbara a su vez está relacionada con Damián (José Sacristán), un profesor retirado con un tormentoso pasado.

Es así, como estos tres personajes quedan atrapados en una oscura red de chantajes, en la que instinto y razón, entran en conflicto.

The Loft. Erik van Looy.

La verdad que 'The Loft' es una película castigadísima por la crítica especializada, pues básicamente no se puede encontrar una opinión buena acerca del film.

Afortunadamente, tengo la sana costumbre, de no hacer mucho caso ni de críticas, ni de votaciones antes de ver una película, hecho, que en ocasiones me ha hecho tragarme bodrios infumables, por no leer opiniones al respecto, pero que en otras situaciones ha permitido un disfrute y tensión propios de buenas pelis.

Es esto último lo que me ha sucedido con 'The Loft', para mi, un peliculón que tiene todos los ingredientes para gustar: intriga, entretenimiento, tensión... y que sin embargo la pintan como un gran sacrilegio a la historia del cine... Volvemos a lo de siempre... para gustos...

'The Loft' nos cuenta la historia de cómo la vida de cinco hombres da un giro inesperado al decidir compartir en secreto un apartamento donde poder escaparse con sus amantes, donde relajarse o simplemente evadirse de la rutina. 

El plan es perfecto, pues teniendo un loft para sus escarceos no quedan huellas en facturas, ni registros en cuentas corrientes, ni tickets de tarjetas de crédito. 

Es perfecto hasta que un día aparece el cuerpo de una mujer que ha sido cruelmente asesinada en el apartamento y empieza un juego de sospechas entre ellos para intentar descubrir quién es el culpable y ver cómo se las arreglan para que todo el asunto no salga a la luz.

El morbo y la tensión, están servidos.

St. Vincent. Theodore Melfi.

'St. Vincent' es sin duda una de mis comedias 'indies' favoritas, quizá junto con las otras que ya lo eran anteriormente: 'Nebraska' , 'Napoleón Dinamyte' y 'Pequeña Miss Sunshine' la verdad que nunca me cansaré de recomendarlas, pues no son simples comedias sino críticas ácidas y mordaces a los cánones marcados por la sociedad en la que vivimos. 

El plato fuerte de 'St. Vincent', además de su argumento que es un punto a favor, es sin duda la recreación de los personajes por unos actores y actrices que eligen muy bien sus papeles y que siempre lo bordan. 

Así pues encontramos a la grandísima Melissa McCarthy, muy anclada en papeles cómicos pero que sin embargo en esta comedia su papel es más bien dramático; a Naomi Watts interpretando el papel más loco de su carrera y al grandísimo Bill Murray, que a mi personalmente me encanta y como no podía ser de otra manera, no defrauda. 

'St. Vincent' nos cuenta la historia de como la vida de una persona puede irse a pique de forma irremediable por la amargura e infelicidad que producen los acontecimientos que van sucediendo con el tiempo. 

Vincent (Bill Murray) es un jubilado cascarrabias aficionado al alcohol, las prostitutas y las apuestas, toda una joya vamos. Su triste y amarga vida da un giro cuando en la casa de al lado se instala Maggie (Melissa McCarthy) junto a su hijo de 12 años Oliver (Jaeden Lieberher). Maggie, recién separada ha de luchar por llegar a fin de mes, haciendo jornadas de trabajo interminables y por la custodia de su hijo, esto unido a una depresión por haber sido engañada por su marido. 

A Maggie, no le queda más opción que dejar a Oliver al cargo de su vecino, Vincent. 

Pronto, una peculiar amistad florece entre ellos. A esta "pareja" de amigos se le une una stripper rumana embarazada, llamada Daka (Naomi Watts). Es así como Oliver será conducido por Vincent por todas las paradas que conforman su vida diaria: las carreras de caballos, el club de striptease y su bar habitual. 

Mientras Vincent cree que ayuda a Oliver a hacerse un hombre, el chico comienza a ver en el viejo gruñon algo que nadie más ve: un hombre incomprendido de buen corazón.

Todo un peliculón apto para todos los públicos. 

La visita. M. Night Shyamalan.

Este fin de semana me animé a ver 'La visita' de Shyamalan. No soy amiga del cine de terror, la verdad. Lo paso fatal cada vez que me expongo a alguna película 'de miedo' y de hecho, como bien se puede comprobar en el blog, nunca hablo de ellas. 

Puestos a recomendar algunas elegiría: 'El Resplandor' (sin duda una de las mejores películas de la historia del cine del siglo XX), 'La señal', 'La maldición' y más recientes... 'Insidious' y 'Expediente Warren', sin duda son de todas las que he visto en mi vida, con las que peores ratos he pasado, asi que si sois amig@s de este tipo de cine seguro que os encantan. Sobre todo con las dos últimas pasé verdadero pavor.

Lejos de esta línea de terror, maldiciones, posesiones y espíritus, encontramos 'La visita' de hecho tenía ganas de verla por quien es el director y por el tipo de cine que hace, todos le recordamos por su indudable éxito 'El sexto sentido', o por 'El bosque', o la peculiar y controvertida 'La joven del agua'. 

'La visita' se encuadra en un tipo de cine de sustos, con cierta tensión en algunas secuencias y con  algunos puntos de humor. ¿Es una película de terror? Se podría decir que sí, pero sin duda muy alejada de las anteriormente mencionadas. 

Quizá si algo le da calidad a la película es la forma en la que está rodada (muy de moda últimamente por cierto). Con cámara en mano, al estilo de 'REC' o la que fue la principal percursora de este tipo de cine 'El proyecto de la bruja de Blair'. Y como éstas, contó también con un muy bajo presupuesto.

Si existe algo destacable en ella, son las interpretaciones, más que la historia en sí. Los cuatro protagonistas lo bordan, de hecho no sabría con cual de ellos quedarme, quizá con el niño, pero los cuatro son geniales.

En cuanto al argumento, ya por todos conocidos, gracias a la promoción de la película, se nos cuenta "la visita" de dos adolescentes a casa de los abuelos, en una recóndita granja en Pensilvania. Todo es normal hasta que llega el atardecer, cuando inexplicablemente los ancianos se transforman...

Miel de naranjas. Imanol Uribe.

'Miel de Naranjas' no es ni de lejos la película definitiva de la posguerra española, más que nada, porque espero que nunca se deje de hacer cine de esa turbulenta y oscura etapa que tocó vivir a miles de españoles; al igual que de la Guerra Civil, la guerra de la vergüenza que enfrentó a un pueblo lleno de ilusiones y esperanzas por conseguir un futuro mejor, contra otro lleno de pretensiones por conseguir que no les quitaran todo aquello que ya tenían. 

Imanol Uribe es sin duda el director idóneo para hacer una película de este tipo, ya que ha filmado muchos largometrajes de temática histórica, política y social, y nadie como él puede plasmar la historia de nuestro país y de nuestros antepasados.

Ciertamente cuesta creer e imaginar para todos los que no vivimos ni la guerra ni los años posteriores (yo soy nacida en 'democracia' afortunadamente), que haga tan relativamente poco tiempo de que algo así haya pasado en nuestro país y a nuestros familiares más cercanos, el siglo XX fue sin duda un siglo lleno de convulsiones sociales, y no creo que el XXI (dado lo mal que vamos avanzando socialmente) nos depare nada bueno.

Centrándonos ya en la temática, la historia transcurre en la Andalucía de los años cincuenta, allí una pareja de jóvenes se conocen y se enamoran profundamente. Carmen (Blanca Suárez) consigue que su novio (Iban Garate) se quede a prestar el servicio militar en un juzgado de la ciudad. Enrique, que es así como se llama el chaval, a la vista de las injusticias que presencia cada día, se da cuenta de que para cambiar el rumbo de las cosas tiene que actuar. Pronto se verá involucrado en arriesgadas acciones que pondrán en peligro su vida y la de sus compañeros.

'Miel de Naranjas' es sin lugar a dudas una película dedicada a todos aquellos héroes anónimos que lucharon por salvar a su familia pero también su honor y dignidad.

Big Eyes. Tim Burton.

Probablemente 'Big Eyes' sea el film más flojo que el Señor Burton tiene en su haber, por lo menos para mi claro, ya que sobre gustos no hay nada escrito. No obstante merece la pena verla, pues la historia es cuanto menos curiosa. 

'Big Eyes' narra la historia de Margaret y Walter Keane. Ambos se conocen en una feria de exposiciones y Walter acaba encandilando a Margaret hasta que termina casándose con ella. 

Existe una evolución total del personaje de Margaret que resume muy bien la época en la que se vivía, ya que comienza siendo completamente sumisa a los deseos de su marido hasta que 'despierta' y se termina rebelando por su propio bien y el de su hija. 

La trama transcurre en los años 50 y 60 del siglo XX, y se nos cuenta las vivencias de la propia Margaret y sus cuadros, que representaban a niños de grandes ojos y fuerte poder melancólico. Dichas pinturas tuvieron un éxito sin precedentes. La señora Keane se dejó manipular por su marido, y mientras ella pasaba días enteros encerrada en su taller trabajando, Walter se dedicaba a venderlos haciéndose pasar él mismo por el autor de las obras. 

Así estuvieron varios años, hasta que las cosas se empezaron a torcer, Walter se dió a la bebida y una ambición sin límites comenzó a anidar en él.

A destacar en la película las interpretaciones de los actores, quizá la mejor de la carrera de Amy Adams, no así de Christoph Waltz, ya que pocos actores hay tan polifacéticos como él y todos los papeles que interpreta los borda. Y sobre todo la fotografía del film, ¡chapó!

Nos vemos en Semptiembre amig@s!

 

HASTA SEPTIEMBRE!!

After the dark. John Huddles.

Película de un director que yo desconocía por completo, aunque no es raro puesto que sólo tiene tres filmes en su haber. Sin lugar a dudas si por algo merece la pena ver es por el guion, que por cierto ha sido también escrito por el director de la propia película así pues adquiere doble mérito.

Es una película diferente y que se asemeja mucho a creaciones tipo Donnie Darko (o cualquiera de las que hablábamos el otro día, aunque esta mucho más edulcorada y sencilla claro), asi que a los fans de este tipo de cine les gustará seguro.

La historia nos traslada hasta la ciudad de Yakarta, destino elegido por el director, y que en realidad no tiene mucho que ver con la trama. De hecho me estuve preguntando durante toda la peli el por qué de esa localización y no otra más cercana como por ejemplo Sevilla... supongo que para darle un punto de exotismo al film.

El caso es que en dicha ciudad un grupo de estudiantes extranjeros terminan su verano de intercambio y como colofón y despedida de su profesor de filosofía serán sometidos por éste a un perveso test.

Quien sea capaz de desentrañarlo, tendrá un premio muy importante que no es ni más ni menos que la entrada a la universidad que ellos elijan.

Así pues el test dice, que en pleno Apocalipsis nuclear, sólo diez de los veinte alumnos pueden acceder a un búnker, en el que tendrán que vivir duante un año... entre ellos mismos han de elegir quien entrará y salvará su vida y quién quedará fuera y morirá... 

El tema no es elegir por simpatías o amistad, sino que de ellos depende el progreso futuro de la humanidad, ya que cada uno de ellos tendrá un rol diferente para después poder comenzar a crear una nueva y avanzada sociedad.

La película es interesante y entretenida, aunque el final bien es cierto que ha sido 'metido' con calzador. No obstante merece la pena ver.

Coherence. James Ward Byrkit.

Opera prima de Byrkit, que te deja completamente confuso y noqueado. 

La verdad que es una película que bien puede estar a altura de otros peliculones como lo fueron (y que de paso aprovecho para recomendar también): 'Memento', 'Primer', 'Mulholand Drive', 'Inland Empire', 'Donnie Darko', 'Efecto Mariposa', 'Identidad' o 'Mr. Nobody'. 

Es una de esas películas, que terminas de ver, y piensas... "voy a digerir e intentar analizar y comprender lo que acabo de ver".

A mi personalmente, es un tipo de cine que me encanta, pues muestra y demuestra la inteligencia que muy pocos guionistas que suelen ser a la vez directores de estos films tienen. Ya que para tejer una tela de araña de semejante nivel, que hace exprimirte la sesera hasta niveles extremos hace falta tener mucha masa gris ahí dentro. 

Yo siempre diré que el maestro a seguir en este tipo de cine y en estos años, es, pese a quien le pese, David Lynch.

Centrándonos en el argumento, del que no quiero contar mucho, pues es precisamente no saber muy bien de que va el tema donde está la gracia a la hora de verla, la historia transcurre cuando un grupo de amigos se reúne a cenar y recuerdan durante la conversación cómo en Finlandia, en 1923, el paso de un cometa hizo que los habitantes de un pueblo quedaran completamente desorientados; incluso una mujer llegó a llamar a la policía denunciando que el hombre que estaba en su casa no era su marido.

Precisamente durante la cena que celebran estos amigos, también va a pasar un cometa...

El Juez. David Dobkin

Es bastante extraño encontrar a David Dobkin dirigiendo una película de este tipo, ya que toda su vida ha sido un director muy enfocado a comedias estadounidenses sin mucho gusto y a comedias románticas, no obstante, ha debido creer que era necesario dar un salto cualitativo en su carrera para romper con las etiquetas que lleva adheridas en su curriculum vitae. No sé si lo conseguirá o no, depende de sus futuros pasos, pero desde luego que con esta película se marca un punto positivo en su haber, ya que reúne todos los ingredientes de un muy buen film.

Para empezar, 'El Juez' cuenta con dos actorazos de la talla de los mejores del momento actual como son Robert Downey Jr., que hace ya un tiempo que empezó a despuntar y a destacar, y Robert Duvall, un viejo conocido que se marca uno de los mejores papeles de su carrera, ya sólo por eso merece la pena pararse a pensar que quizá ver la película sea una buena idea.

Por otro lado, cuenta con un argumento interesante, entretenido y llevadero, a pesar de sus dos horas y media de duración. La primera impresión que causa 'El Juez' es que se trata de un film policíaco, con enigmas que resolver y que no se desenmaraña hasta el momento final, muy lejos de todos estos estereotipos propios de las películas de suspense policíaco, se nos presenta más bien un drama familiar.

El papel principal recae en Robert Downey Jr., que interpreta a Hank Palmer, un importante abogado que regresa a casa tras la muerte de su madre. Tras años sin pasarse por el hogar familiar debido a las desavenencias con su padre, se ve obligado a quedarse, ya que su padre (Robert Duvall), que es el juez del pueblo, es sospechoso de haber cometido un asesinato. Su decisión de investigar el caso y la obligatoriedada de defender a su padre, impuesta por sus hermanos, lo lleva poco a poco a restablecer con los suyos una relación que estaba rota.

Blue Ruin. Jeremy Saulnier.

 

'Blue Ruin' nace como fiel reflejo del término 'venganza' en su totalidad, sin dejar flecos sueltos. Jeremy Saulnier, su guionista y director se ha tomado muy en serio el hecho de que llegue a calar muy profundamente en el espectador, y vaya si lo consigue. 

Además nos introduce en el camino del 'ojo por ojo', llegándolo incluso a entender y compartir, aunque también pone de manifiesto el hecho de que la venganza sólo puede generar más vengaza y por ende odio y muerte.

El personaje principal es Dwight, un joven vagabundo de vida tranquila. A sus treinta años, Dwight, no posee aspiraciones personales, ni sociales. Su única preocupación es recoger botellas en la playa con las que sacarse una pelas para poder sobrevivir. 

Un día su rutina se trastorna al enterarse de una terrible noticia. Esto le lleva a tomar una decisión descabellada y a volver a la casa de su infancia para llevar a cabo una extraña venganza. 

Si algo hay que destacar en la película, es el personaje protagonista, muy alejado de los clichés a los que estamos acostumbrados: tipos duros, desenvueltos, mal hablados... 

Dwight se nos presenta como la antítesis a todo esto. Es un tipo que más que corriente, destaca por su timidez y bondad a pesar de haber llevado una vida muy dura. 

Por lo que llevar a cabo su partícular venganza le supondrá una ardua tarea, aunque llegado el momento no le temblará el pulso para acabar con todos aquellos que destrozaron su vida. 

Sin duda, 'Blue Ruin' es un thriller 'independiente' de buen cine estadounidense. Recomendada.

La tumba de las luciérnagas. Isao Takahata.

El otro día volví a ver esta espectacular, fantástica y emotiva película de anime del director japonés padre de otros éxitos como fueron 'Marco', 'Heidi' o 'Lupin', y causó los mismos sentimientos que la primera vez que la vi hace ya bastantes años, de hecho creo que incluso lloré más.

Quien no haya visto 'La tumba de las luciérnagas' ha de hacerlo ya, pues todo lo que escriba yo aquí es poco. 

Para mi sin duda, es mi favorita del género, y mira que me he visto toda la filmografía de Miyazaki, pero 'La tumba de las luciérnagas' es diferente, es tan real, que duele. 

Es sin lugar a dudas la película (de todas las que he visto en mi vida) que mejor explica los desastres que supuso la II Guerra Mundial. Sin recurrir al visionado de las barbaries nazis, o a escenas cruentas de campos de batalla, simplemente centrándose en la vida de dos hermanos que se quedan completamente solos y tienen que hacer lo posible por sobrevivir.

Así es como comienza 'La tumba de las luciérnagas', con la Segunda Guerra Mundial. Seita y Setsuko son hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe. Un día, durante un bombardeo, no consiguen llegar a tiempo al búnker donde su madre los espera. Cuando después la buscan, la encuentran malherida en la escuela, que ha sido convertida en un hospital de urgencia, de modo que tienen que trasladarse a casa de unos familiares, de la cual también tendrán que marchar al no poder ocuparse de ellos de los pequeños. Es así como comienzan un peregrinaje infernal en el cuál tendrán que sortear todo tipo de obstáculos y vicisitudes para lograr sobrevivir.

Imprescindible.

Lasa y Zabala. Pablo Malo.

Película muy controvertida, difícil de ver y sobre todo de digerir. De ahí supongo que las críticas tan negativas de toda la prensa especializada. La pintan como si fuera una película mediocre y en absoluto lo es. 

Lo que a mi parecer ha pasado, es que todo espectador que se "enfrenta" a ella se enfrenta en realidad a su propio juicio, ya que es muy duro, bueno más que duro, es muy difícil verse del lado de dos etarras, que están siendo torturados y vilipendiados por las fuerzas de seguridad del Estado Español... si, esas "fuerzas" que deben velar por nuestra seguridad...

Por otro lado, es horrible tener que enfrentarte a un sentimiento de lástima hacia dos asesinos que precisamente en la década de los 80 estaban matando a españoles a diestro y siniestro sin importarles entorno y consecuencias que podían tener sus artefactos, pero es ahí dónde entra el sentimiento más humano que poseemos: el de la empatía. El hecho de poder ponerte en el lugar del otro, sin importar que sea un asesino o un criminal, ya que al final todos somos seres humanos, inocentes ante cualquier tipo de tortura, pues en estos actos, no puede residir bajo ningún concepto la palabra 'justicia'.

Dicho esto, y centrándonos en el modo en que se ha tejido y construído la trama, a mi parecer está muy inteligentemente diseñada, pues se ha escogido el método de flashbacks y flashforward en lugar de hacer una película lineal, lo que permite al espectador estar más atento e involucrarse más en la "vida" de cada uno de los personajes.

En cuanto a la interpretación de los actores, si alguno es merecedor, de ser destacado es sin lugar a dudas Unax Ugalde, un actor vasco, que muy lejano a este tipo de papeles, ha decidido arriesgarse interpretando al abogado de las familias de Lasa y Zabala. Y vaya si lo ha conseguido. 

También me gustaría destacar la fotografía, que es otro de los elementos que consigue crear una atmósfera y ambientación que nos trasladan a los 80 y nos hace partícipes de los hechos como si los estuviéramos viviendo en primera persona. 

En cuanto al argumento, ya por todos conocidos, gracias al bombo mediático que tuvo en su momento, 'Lasa y Zabala' transcurre en 1983. En octubre de ese año dos chavales de dieciocho años, José Antonio Lasa y José Ignacio Zabala desaparecen (en realidad fueron secuestrados) en Bayona (Francia). Doce años después, sus cuerpos torturados y enterrados en cal viva por los GAL (Grupos Antiterrorista de Liberación) o por la Guardia Civil..., son identificados. Comienza en ese momento un tortuoso proceso, en el que el abogado de las dos famílias, Íñigo Aurin (Unax Ugalde) y su ayudante intentarán que se haga justicia y que los asesinos se sienten en el banquillo de los acusados.

Me gustaría recalcar que todos los hechos que se muestran en el film son verídicos (aunque parezca increíble) y basados en el sumario.

En resumen, totalmente recomendable. 

El cuento número trece. James Tale.

En primer lugar, me gustaría aclarar que más que recomendar esta película, recomiendo sobre todo la lectura de la novela en la cuál está basada. 

Con el mismo título que el film, se trata de una obra de la escritora inglesa Diane Setterfield, fue su ópera prima, que pronto se convirtió en best-seller y ha estado arrasando hasta el día de hoy. 

Según leí en una entrevista, la obra le llevó cinco años de escritura por la complejidad y entresijos de la trama.

Merece muchísimo la pena, la verdad.

'El cuento número trece' comienza cuando Vida Winter, una afamada escritora, requiere de los servicios de Margaret Lea, una joven biógrafa que vive atormentada por los recuerdos de su propio pasado. 

A la señora Winter le queda poco tiempo de vida y por ello decide dar a conocer al mundo la realidad de su pasado y el recorrido de toda su vida, puesto que en cada libro que ha escrito, ha contado una versión distinta de su vida, nadie sabe a ciencia cierta quién es la magnífica escritora que se esconde detrás del seudónimo de Vida Winter. 

Es así como el lector y espectador se sumerge en una historia que comienza a finales del siglo XIX. Con cierto aire tenebroso y una atmófera puramente victoriana, nos vamos adentandro en una increíble historia de enredos familiares que no dejará indiferente a nadie. 

Como suele pasar, cuando te has leído un libro que te ha gustado y luego ves la película, es inevitable pensar que no han llegado a la calidad que requería la novela. Este caso no va a ser la excepción, no obstante, guarda bastante parecido, aunque obvia elementos transcendetales e importantísimos de la historia. Aún así, la recomiendo.

Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?. Philippe de Chauveron

'Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? es la nueva comedia del director y guionista francés Philippe de Cahuveron, un cineasta muy anclado en la comedia en general y romántica-familiar en particular. 

Esta película es su último trabajo, una comedia fresca y entretenida que ha arrasado en taquillas francesas y también europeas. A España vino hace poco y se mantuvo bastantes semanas en cartelera. Se agradecen de vez en cuando comedias que se salgan del 'tipycal spanish' y de la comedia sentimentaloide importada desde EE.UU.

Lo cierto es que la temática no deja indiferente a nadie porque aborda el tema del racismo de forma directa y sin paliativos, pero en cualquier caso nunca de forma ofensiva. 

Es sin duda una película que retrata y refleja a la perfección los prejuicios sociales que existen en cualquier país hacia otra raza, y sobre todo en Francia, donde abundan la coexistencia de diferentes etnias y donde el partido de Marine Le Pen está cada vez más en auge. Es por ello que una película así era más que necesaria, no obstante la temática está bastante edulcorada, porque el 'racismo' no se manifiesta en su cruda realidad sino con la moraleja final de 'fueron felices y comieron perdices'. Y siempre en clave de humor, ya que no es racismo de raza blanca contra raza negra como estamos acostumbrados a ver, sino un racismo más puro de... todos contra todos. 

El argumento gira en torno a Claude y Marie Verneuis, un matrimonio católico y muy consrvador que tiene cuatro hijas a las que han tratado de inculcar sus valores y principios. Sin embargo, el tiro les ha salido por la culata: la mayor se casó con un musulmán; la segunda con un judío y la tercera con un chino. El matrimonio deposita todas sus esperanzas en la hija menor, esperando que se case, al menos con un católico, pero no, la pequeña se casará con un angoleño. La diversión está servida.

Loreak. José María Goenaga. Jon Garaño.

Ópera prima de ambos directores que supone un salto adelante en su filmografía pues ambos estaban muy anclados en el mágico mundo del cortometraje.

'Loreak' es un melodrama en el que confluyen por parte de los personajes una importante variedad de sentimientos que van desde la melancolía y la soledad, hasta la desolación y la tristeza. 

Es un cocktail tan fuerte que hace que dichos sentimientos aniden en el propio espectador y que éste se sienta completamente identificado con lo que está viendo, aun sin haberlo vivido, pero si "tirando" de sus propios recuerdos y sintiendo de manera sublime la vivencia de que cualquier tiempo pasado fue mejor.

El argumento no es novedoso en el mundo del cine pues es una película de historias cruzadas que acaban uniéndose en un mismo punto. Quizá lo más novedoso sea la forma de contar dichas historias que al final acaban siendo una sola. 

La protagonista es Ane, una mujer, que a pese a su juventud, siente que a su vida ya no le queda ningún ingrediente de los cuáles algún día tuvo para ser feliz. Casada con un hombre que se ha convertido en un mero compañero de piso, pasa sus días sin pena ni gloria, encerrada en un oscuro piso. Su vida da un giro cuando semanalmente comienza a recibir de forma anónima un ramo de flores a su casa. 

Por su parte las vidas de Lourdes y Tere también se ven afectadas por unas misteriosas flores. Un desconocido las deposita cada semana en memoria de alguien que fue importante en sus vidas.

Esta es la historia de tres mujeres, tres vidas alteradas por la mera presencia de unas flores. Flores que harán brotar en ellas sentimientos que parecían olvidados… 

Aunque triste y desoladora, se trata de una gran película. 

La isla de Giovanni. Mizuho Nishikubo.

'La isla de Giovanni' está basada en los hechos acontencidos durante los años de la Segunda Guerra Mundial. Cuando las tropas rusas invadieron Japón y toda su población civil se vió prácticamente obligada a huir en busca de un futuro mejor.

En este contexto desgarrador encontramos a dos hermanos, cuya inocencia y complicidad marca el ritmo de sus vidas. Los dos niños se hacen amiguitos de una niña rusa y entablarán una potente amistad que les llevará a traspasar las fronteras que los adultos temen. Ni tan siquiera el idioma y la pertenencia a culturas muy diversas supondrá barreras para ellos.

'La isla de Giovanni' además está conectada de forma intertextual con la obra de Kenji Miyazawa, 'El tren nocturno de la Vía Láctea', una obra destinada al público infantil que conecta el mundo real con un mundo onírico en el cual el protagonista comprende la dura realidad de la vida pero de una manera positiva y enriquecedora. 

De hecho esta obra fue comparada con la de Saint-Exupéry, 'El Principito', pues ambas están destinadas a un público que en principio es meramente infantil aunque traspasable también al adulto por las enseñanzas vitales que ofrece la obra. Algo así ocurre también con la película de la que hablamos.

Estos elementos hacen que la historia del film con la de la obra literaria se vea  entremezclada en todo momento y se cree así una potente y dramática historia.

Salvando las distancias, es una película que me ha recordado muchísimo a la de 'La tumba de las luciérnagas', de la que hablaré más adelante.

Ambas son películas para niños, pero que no puede ver cualquier niño, por lo duras que se hacen las historias y el dolor que transmiten, aunque de forma positiva, también transmiten muchas enseñanzas y amor.

La mula. Michael Radford.

La polémica en la que se vio envuelta 'La mula' ha sido el detonante para que la peli haya sido vista por muchísimos espectadores, incluso quizá más, de los que de no ser por dicha polémica no se habrían ni tan siquiera molestado en verla.

Yo no entendía el porqué de tanto revuelo, puesto que tenía leída la novela de Juan Eslava Galán (que recomiendo sobre la película) y no tiene mucha miga, no puede ofender a nadie, y está basada en una historia real pero que no tiene mucho de donde rascar, de hecho está rodada en forma de comedia dramática y no abundan las escenas sangrientas para ser una película de la Guerra Civil española, si en algo es diferente al resto, quizá sea en el hecho, de que estamos acostumbrados a ver siempre, y a ponernos en el lugar del bando repúblicano y en 'La Mula' el protagonista pertenece al bando nacional, pero sin más.

El caso es que estuve informándome acerca de la polémica suscitada por la cinta, y al final, todo se resumen en una cuestión central y de la que depende cualquier proyecto: el dinero. 

Por un lado, el que fue director de prácticamente toda la película Michael Radford, abandonó el proyecto a cinco días de terminar la grabación del mismo por las diferencias mantenidas con la productora Alejandra Frade, quien acusaba a éste de inclumplir compromisos financieros con la parte española del film. Radford por su lado alega que Frade se negó a firmar los contratos de coproducción que permitirían a la parte británica desbloquear las ayudas públicas a las que tiene derecho en su país, lo que hizo que Radford no soltará la pasta. Y por último el Ministerio de Cultura, ante aquel desaguisado, bloqueó la concesión de la licencia de exhibición para la película.

Finalmente la película se estrenó años después, porque Alejandra Frade corrió con los gastos he hizo lo imposible porque se estrenara, ya que se convertía en una película netamente española. Y se estrenó en el Festival de Málaga, allí los actores dieron su opinión acerca de los hechos...

Y en resumen, aunque la firma del director de la misma es 'Anónimo' es obvio que el director fue el británico Radford, pero la película vió la luz gracias a su productora Frade. Así que finalmente, ha sido gracias a los dos por los que la película existe. Aunque el mayor interesado en su estreno sería el propio Eslava Galán, escritor de la novela que cuenta la historia de su padre. 

Centrándonos en el film, lo cierto es que no tiene mucha tela que cortar, para que vamos a engañarnos. La historia transcurre en el 1939, solo quedan tres meses para que acabe la Guerra Civil. El cabo Juan Castro (Mario Casas), un joven de Jaén que combate en el bando nacional, encuentra una mula perdida en medio del campo de batalla y decide esconderla para llevársela a casa al final de la guerra. Con su mula y las pocas pesetas que lleva en el bolsillo intentará conquistar a la chica más guapa que ha visto nunca (María Valverde).

Película entretenida, aunque si tuviera que recomendar películas de la Guerra Civil española sin duda optaría por 'Los girasoles ciegos' y 'Pa negre'.

10.000 km. Carlos Marqués-Marcet.

Ópera prima del joven director catalán que arrasó en el festival de Málaga el año pasado con cinco premios, también se llevó tres nominaciones a los Goya, y el premio al mejor director novel. Hay quien comparó en esta gala de los premios españoles, '10.000 km', con Stockholm de Rodrigo Sorogoyen. 

En mi opinión, ambas son buenas películas y todavía tienen más mérito sabiendo que son la primera criatura de dos jóvenes directores. 

No obstante, aunque '10.000 km.' es más realista y el espectador va intuyendo lo que va a ir pasando durante el film, y quizá pueda sentirse más próximo a los personajes, 'Stockholm' me pareció más cruda, fría y dura, aunque quizá menos real, o es lo que "quiere" pensar el espectador al enfrentarse a la realidad y maldad humana.

Centrándonos ya en el argumento, '10.000 km.' nos cuenta la historia de una joven y solida pareja afincada en Barcelona, que acaricia la idea de tener un bebe. 

Álex (Natalia Tena) y Sergi (David Verdaguer), tienen sus vidas encaminadas hacia un futuro común, llevan 7 años de relación, viven juntos, ella es profesora de inglés y él se prepara unas oposiciones, sólo les falta el bebé y es lo que en el momento de empezar la película están buscando. 

Pero todo cambia y se tambalea en el momento en que Álex consigue una beca de un año en Los Ángeles para llevar a cabo un importante proyecto.

¿Será capaz esta pareja de vivir separada por 10.000 km de distancia durante dicho tiempo?, ¿es tan sólida su relación como creen?

Película bien narrada, entretenida, realista y triste. Lo cierto es que hace ver lo débiles que son los cimientos en los que se asienta cualquier vida y relación humana. 

Lo creemos tener todo bajo control pero en tan sólo un segundo, lo que tantos años de nuestra vida nos ha costado construir, se puede venir abajo.

Locke. Steven Knight.

Sin lugar a dudas 'Locke' es una película que rompe los cánones del cine, en mi opinión es puro cine de autor. No había visto anteriormente nada de Steven Knight, pero claramente se observa con este film que poco le importa que su obra vaya a ser más o menos comercial ya que lo que realmente cobra importancia para él es adentrarse en los sentimientos más profundos y humanos con el fin de conectar directamente con el espectador.

El protagonista y único actor es Tom Hardy, al que vimos en 'Warrior' película de la que ya hablé en su día y que aprovecho para volver a recomendar. Para mi, Hardy no era un actor conocido la verdad, y bien es cierto que ha trabajado en muchísimas películas aunque siempre de secundario, por eso no lo tenía "fichado" y fue en 'Warrior' cuando me percaté de su existencia. Al parecer es un actor que escoge muy bien sus trabajos, y no parece ser el típico que participa en cualquier guion que le llega. 

Adentrándonos ahora en la trama del film, se nos cuenta como Ivan Locke, un prestigioso capataz de grandes obras que ha tenido que trabajar muy duro para alcanzar su sueño, se tiene que enfrentar a la más dura de las decisiones que ha tomado nunca. Todo esto justo en la víspera de su encargo más importante, la decisión le llevará a echar toda su vida por tierra lo que le hará emprender una peligrosa huida a contrarreloj.

Película recomendable aunque no por entretenida sino por original y 'humana'. Hay que encontrar el momento para verla.

Open Windows. Nacho Vigalondo.

'Open Windows' es la última película de Nacho Vigalondo, director y guionista de todas sus obras, tiene un cine un tanto peculiar, que puede gustar más o menos, pero lo que es seguro es que no deja indiferente a nadie.

 

Bien es cierto, que es más dado a la realización de cortometrajes que de largos, y creo recordar que de todo su haber tan sólo tengo visionada la película que hizo hace ya unos cuantos años 'Los Cronocrímenes' pero que ni tan siquiera recuerdo, la volveré a ver.

En este nuevo film, que ha pasado sin pena ni gloria por las salas españolas, ha echado mano de actores conocidos a niveles más amplios en lugar de usar a los actores españoles de turno, quizá para que la película traspasara fronteras.... aunque no sé si lo ha conseguido...

De hecho, el protagonista Elijah Wood, es muy dado a trabajar con directores españoles, como ya lo hizo con Eugenio Mira en 'Gran Piano' que fue un importante truño, por cierto, y con Álex de la Iglesia en 'Los crímenes de Óxford' quizá el film más flojo del director vasco. Probablemente, 'Open Windows' sea la mejor de las tres 'españolas' que ha realidado Wood.

La trama gira en torno a Nick (Elijah Wood) un chico con suerte a punto de conocer a Jill Goddard (Sasha Grey), la actriz más excitante del momento. Jill está promocionando su última película, y Nick ha ganado una cena con ella en un concurso on-line. Poco antes de salir del hotel para reunirse con ella, un tal Chord le comunica que la caprichosa actriz ha cancelado la cita. Para compensarlo, le ofrece a Nick la posibilidad de espiar a Jill durante la noche desde su portátil, Nick acepta casi obligado, y lo que comienza como un inocente juego se convierte pronto en una pesadilla tanto para él como para Jill.

Curiosa y entretenida.

Amigos de más. Michael Dowse.

He de reconocer que yo era de las que pensaba que Radcliffe sería encasillado de por vida en 'Harry Potter' y difícilmente podría rodar alguna peli más... de hecho lo veía un poco como un niño prodigio que terminaría destrozado tipo a Macaulay Culkin, Jonathan Brandis o Haley Joel Osment (convertido en un viejo regordete que parecería entrañable sino fuera porque tiene 30 años menos de los que aparenta), en fin, menos mal que estaba equivocada, y afortunadamente Radcliffe ha madurado y ha hecho muchas películas más e incluso alguna obra de teatro.

'Amigos de más' es una de ellas, es una comedia romántica, que rompe un poco los esquemas y patrones del género ya que los protagonistas no son pivones, ni tampoco ella un orco que luego se convierte en una top model y él el chico más popular del instituto, no señor, son tipos normales, con vidas normales que viven una historia de 'amor' cuanto menos peculiar, lo que hace que sea una historia más creíble y cercana para el espectador, y es por ello, por lo que creo que se ha ganado tan buenas críticas tanto de periodistas como de público en general. 

La peli comienza cuando Wallace y Chantry se conocen en una fiesta mientras leen poesía escrita con imanes de nevera. Pronto surge entre ellos una fuerte amistad que les permite hablar de todo. El único problema es que Chantry tiene novio formal con el que vive desde hace cinco años, y Wallace acaba de ser abandonado por su novia y se enamora locamente de su nueva amiga. 

El argumento parece un poco pueril e incluso podría parecer otra estúpida película estadounidense, pero no, entre otras cosas porque la peli ni es estúpida ni es de USA, sino de Canadá, y merece mucho la pena ;) 

The Equalizer. Antoine Fuqua.

No soy muy dada a ver películas de acción, la verdad, y el caso es que las que he visto no me han disgustado en absoluto (aun recuerdo como disfruté viendo 'Speed') pero si que es verdad que me dan pereza... y al no ser que vea el trailer para saber por donde van a ir los tiros nunca me animo a ver una de ellas. Es por ello que ví 'The Equalizer', porqué me motivó mucho el trailer, y también, dicho sea de paso, porque el protagonista es Denzel Washington, del que recuerdo películones como: 'Déjà Vu', 'John Q.', 'Training Day', 'El coleccionista de huesos' o 'Philadelphia'.

'The Equalizer' (de la que por cierto ya se está haciendo segunda parte), es una película dirigida por Antoine Fuqua, muy dado a dirigir películas cortadas por el mismo patrón: acción, tiros y sangre. De él es tambien la anteriormente mencionada 'Training Day' que, si no recuerdo mal, se llevo varias nominaciones a los Óscars en su día. 

El papel protagonista recae en Denzel Washington, que encarna a Robert MacCall, un antiguo agente de la CIA que lleva una vida tranquila como trabajador en la industria. Pero un día se ve moralmente obligado a abandonar su 'retiro' para ayudar a Teri, una joven prostituta que está siendo explotada por la mafia rusa.

A pesar de que aseguró no volver a ser violento, contemplar tanta crueldad despierta en él un implacabale y renovado deseo de justicia. Este hecho, le llevará a convertirse en el 'protector' de Teri, y a tomarse la justicia por su propia mano.

En definitiva, película muy entretenida y recomendable.

Once. John Carney.

Hace un par de meses os recomendaba la película 'Begin Again' de este mismo director. Tengo un grato recuerdo de ella, pues me resultó una película entretenida y con una historia sobre todo original.

Pues bien, se podría decir que 'Once' es su predecesora, el experimento de Carney que le llevó posteriormente a escribir y dirigir 'Begin Again'. Bien es cierto, que tiene mejor crítica 'Once' pero a mi me gustó mucho más la segunda de ellas, de hecho me parece una historia mejor escrita, mejor interpretada, dirigida y sobre todo más creíble.

Por si os sabe a poco el tema 'musical', John Carney ya tiene preparada otra película cuyo título es 'Sing Street' y que gira en torno al mismo tema. 

Centrándonos en el argumento, 'Once' nos cuenta la historia de Glen Hansard un cantante y compositor que interpreta sus canciones por las calles de Dublín, cuando no está trabajando en la tienda de su padre (Bill Hodnett). 

Durante el día, para ganar algún dinero extra, interpreta conocidos temas para los transeúntes, pero por las noches, toca sus propios temas en los que habla de cómo le dejó su novia. Su talento no pasa desapercibido a Marketa Irglova, una inmigrante checa que vende flores en la calle. Ella tampoco ha tenido suerte en el amor y, para sentirse un poco mejor, escribe canciones sobre el tema, pero, a diferencia de Glen, nunca las interpreta en público. Glen y Marketa, acaban de improviso haciendo un dueto en una tienda de música, y será entonces cuando descubran que algo les une.

Si no habeis visto ninguna de las dos os recomiendo hacerlo en orden, primero 'Once' para después poder disfrutar de 'Begin Again'. Ciertamente, el cine irlandés esconde algo, que lo hace único.