Lasa y Zabala. Pablo Malo.

Película muy controvertida, difícil de ver y sobre todo de digerir. De ahí supongo que las críticas tan negativas de toda la prensa especializada. La pintan como si fuera una película mediocre y en absoluto lo es. 

Lo que a mi parecer ha pasado, es que todo espectador que se "enfrenta" a ella se enfrenta en realidad a su propio juicio, ya que es muy duro, bueno más que duro, es muy difícil verse del lado de dos etarras, que están siendo torturados y vilipendiados por las fuerzas de seguridad del Estado Español... si, esas "fuerzas" que deben velar por nuestra seguridad...

Por otro lado, es horrible tener que enfrentarte a un sentimiento de lástima hacia dos asesinos que precisamente en la década de los 80 estaban matando a españoles a diestro y siniestro sin importarles entorno y consecuencias que podían tener sus artefactos, pero es ahí dónde entra el sentimiento más humano que poseemos: el de la empatía. El hecho de poder ponerte en el lugar del otro, sin importar que sea un asesino o un criminal, ya que al final todos somos seres humanos, inocentes ante cualquier tipo de tortura, pues en estos actos, no puede residir bajo ningún concepto la palabra 'justicia'.

Dicho esto, y centrándonos en el modo en que se ha tejido y construído la trama, a mi parecer está muy inteligentemente diseñada, pues se ha escogido el método de flashbacks y flashforward en lugar de hacer una película lineal, lo que permite al espectador estar más atento e involucrarse más en la "vida" de cada uno de los personajes.

En cuanto a la interpretación de los actores, si alguno es merecedor, de ser destacado es sin lugar a dudas Unax Ugalde, un actor vasco, que muy lejano a este tipo de papeles, ha decidido arriesgarse interpretando al abogado de las familias de Lasa y Zabala. Y vaya si lo ha conseguido. 

También me gustaría destacar la fotografía, que es otro de los elementos que consigue crear una atmósfera y ambientación que nos trasladan a los 80 y nos hace partícipes de los hechos como si los estuviéramos viviendo en primera persona. 

En cuanto al argumento, ya por todos conocidos, gracias al bombo mediático que tuvo en su momento, 'Lasa y Zabala' transcurre en 1983. En octubre de ese año dos chavales de dieciocho años, José Antonio Lasa y José Ignacio Zabala desaparecen (en realidad fueron secuestrados) en Bayona (Francia). Doce años después, sus cuerpos torturados y enterrados en cal viva por los GAL (Grupos Antiterrorista de Liberación) o por la Guardia Civil..., son identificados. Comienza en ese momento un tortuoso proceso, en el que el abogado de las dos famílias, Íñigo Aurin (Unax Ugalde) y su ayudante intentarán que se haga justicia y que los asesinos se sienten en el banquillo de los acusados.

Me gustaría recalcar que todos los hechos que se muestran en el film son verídicos (aunque parezca increíble) y basados en el sumario.

En resumen, totalmente recomendable. 

El cuento número trece. James Tale.

En primer lugar, me gustaría aclarar que más que recomendar esta película, recomiendo sobre todo la lectura de la novela en la cuál está basada. 

Con el mismo título que el film, se trata de una obra de la escritora inglesa Diane Setterfield, fue su ópera prima, que pronto se convirtió en best-seller y ha estado arrasando hasta el día de hoy. 

Según leí en una entrevista, la obra le llevó cinco años de escritura por la complejidad y entresijos de la trama.

Merece muchísimo la pena, la verdad.

'El cuento número trece' comienza cuando Vida Winter, una afamada escritora, requiere de los servicios de Margaret Lea, una joven biógrafa que vive atormentada por los recuerdos de su propio pasado. 

A la señora Winter le queda poco tiempo de vida y por ello decide dar a conocer al mundo la realidad de su pasado y el recorrido de toda su vida, puesto que en cada libro que ha escrito, ha contado una versión distinta de su vida, nadie sabe a ciencia cierta quién es la magnífica escritora que se esconde detrás del seudónimo de Vida Winter. 

Es así como el lector y espectador se sumerge en una historia que comienza a finales del siglo XIX. Con cierto aire tenebroso y una atmófera puramente victoriana, nos vamos adentandro en una increíble historia de enredos familiares que no dejará indiferente a nadie. 

Como suele pasar, cuando te has leído un libro que te ha gustado y luego ves la película, es inevitable pensar que no han llegado a la calidad que requería la novela. Este caso no va a ser la excepción, no obstante, guarda bastante parecido, aunque obvia elementos transcendetales e importantísimos de la historia. Aún así, la recomiendo.

Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?. Philippe de Chauveron

'Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? es la nueva comedia del director y guionista francés Philippe de Cahuveron, un cineasta muy anclado en la comedia en general y romántica-familiar en particular. 

Esta película es su último trabajo, una comedia fresca y entretenida que ha arrasado en taquillas francesas y también europeas. A España vino hace poco y se mantuvo bastantes semanas en cartelera. Se agradecen de vez en cuando comedias que se salgan del 'tipycal spanish' y de la comedia sentimentaloide importada desde EE.UU.

Lo cierto es que la temática no deja indiferente a nadie porque aborda el tema del racismo de forma directa y sin paliativos, pero en cualquier caso nunca de forma ofensiva. 

Es sin duda una película que retrata y refleja a la perfección los prejuicios sociales que existen en cualquier país hacia otra raza, y sobre todo en Francia, donde abundan la coexistencia de diferentes etnias y donde el partido de Marine Le Pen está cada vez más en auge. Es por ello que una película así era más que necesaria, no obstante la temática está bastante edulcorada, porque el 'racismo' no se manifiesta en su cruda realidad sino con la moraleja final de 'fueron felices y comieron perdices'. Y siempre en clave de humor, ya que no es racismo de raza blanca contra raza negra como estamos acostumbrados a ver, sino un racismo más puro de... todos contra todos. 

El argumento gira en torno a Claude y Marie Verneuis, un matrimonio católico y muy consrvador que tiene cuatro hijas a las que han tratado de inculcar sus valores y principios. Sin embargo, el tiro les ha salido por la culata: la mayor se casó con un musulmán; la segunda con un judío y la tercera con un chino. El matrimonio deposita todas sus esperanzas en la hija menor, esperando que se case, al menos con un católico, pero no, la pequeña se casará con un angoleño. La diversión está servida.

Loreak. José María Goenaga. Jon Garaño.

Ópera prima de ambos directores que supone un salto adelante en su filmografía pues ambos estaban muy anclados en el mágico mundo del cortometraje.

'Loreak' es un melodrama en el que confluyen por parte de los personajes una importante variedad de sentimientos que van desde la melancolía y la soledad, hasta la desolación y la tristeza. 

Es un cocktail tan fuerte que hace que dichos sentimientos aniden en el propio espectador y que éste se sienta completamente identificado con lo que está viendo, aun sin haberlo vivido, pero si "tirando" de sus propios recuerdos y sintiendo de manera sublime la vivencia de que cualquier tiempo pasado fue mejor.

El argumento no es novedoso en el mundo del cine pues es una película de historias cruzadas que acaban uniéndose en un mismo punto. Quizá lo más novedoso sea la forma de contar dichas historias que al final acaban siendo una sola. 

La protagonista es Ane, una mujer, que a pese a su juventud, siente que a su vida ya no le queda ningún ingrediente de los cuáles algún día tuvo para ser feliz. Casada con un hombre que se ha convertido en un mero compañero de piso, pasa sus días sin pena ni gloria, encerrada en un oscuro piso. Su vida da un giro cuando semanalmente comienza a recibir de forma anónima un ramo de flores a su casa. 

Por su parte las vidas de Lourdes y Tere también se ven afectadas por unas misteriosas flores. Un desconocido las deposita cada semana en memoria de alguien que fue importante en sus vidas.

Esta es la historia de tres mujeres, tres vidas alteradas por la mera presencia de unas flores. Flores que harán brotar en ellas sentimientos que parecían olvidados… 

Aunque triste y desoladora, se trata de una gran película. 

La isla de Giovanni. Mizuho Nishikubo.

'La isla de Giovanni' está basada en los hechos acontencidos durante los años de la Segunda Guerra Mundial. Cuando las tropas rusas invadieron Japón y toda su población civil se vió prácticamente obligada a huir en busca de un futuro mejor.

En este contexto desgarrador encontramos a dos hermanos, cuya inocencia y complicidad marca el ritmo de sus vidas. Los dos niños se hacen amiguitos de una niña rusa y entablarán una potente amistad que les llevará a traspasar las fronteras que los adultos temen. Ni tan siquiera el idioma y la pertenencia a culturas muy diversas supondrá barreras para ellos.

'La isla de Giovanni' además está conectada de forma intertextual con la obra de Kenji Miyazawa, 'El tren nocturno de la Vía Láctea', una obra destinada al público infantil que conecta el mundo real con un mundo onírico en el cual el protagonista comprende la dura realidad de la vida pero de una manera positiva y enriquecedora. 

De hecho esta obra fue comparada con la de Saint-Exupéry, 'El Principito', pues ambas están destinadas a un público que en principio es meramente infantil aunque traspasable también al adulto por las enseñanzas vitales que ofrece la obra. Algo así ocurre también con la película de la que hablamos.

Estos elementos hacen que la historia del film con la de la obra literaria se vea  entremezclada en todo momento y se cree así una potente y dramática historia.

Salvando las distancias, es una película que me ha recordado muchísimo a la de 'La tumba de las luciérnagas', de la que hablaré más adelante.

Ambas son películas para niños, pero que no puede ver cualquier niño, por lo duras que se hacen las historias y el dolor que transmiten, aunque de forma positiva, también transmiten muchas enseñanzas y amor.

La mula. Michael Radford.

La polémica en la que se vio envuelta 'La mula' ha sido el detonante para que la peli haya sido vista por muchísimos espectadores, incluso quizá más, de los que de no ser por dicha polémica no se habrían ni tan siquiera molestado en verla.

Yo no entendía el porqué de tanto revuelo, puesto que tenía leída la novela de Juan Eslava Galán (que recomiendo sobre la película) y no tiene mucha miga, no puede ofender a nadie, y está basada en una historia real pero que no tiene mucho de donde rascar, de hecho está rodada en forma de comedia dramática y no abundan las escenas sangrientas para ser una película de la Guerra Civil española, si en algo es diferente al resto, quizá sea en el hecho, de que estamos acostumbrados a ver siempre, y a ponernos en el lugar del bando repúblicano y en 'La Mula' el protagonista pertenece al bando nacional, pero sin más.

El caso es que estuve informándome acerca de la polémica suscitada por la cinta, y al final, todo se resumen en una cuestión central y de la que depende cualquier proyecto: el dinero. 

Por un lado, el que fue director de prácticamente toda la película Michael Radford, abandonó el proyecto a cinco días de terminar la grabación del mismo por las diferencias mantenidas con la productora Alejandra Frade, quien acusaba a éste de inclumplir compromisos financieros con la parte española del film. Radford por su lado alega que Frade se negó a firmar los contratos de coproducción que permitirían a la parte británica desbloquear las ayudas públicas a las que tiene derecho en su país, lo que hizo que Radford no soltará la pasta. Y por último el Ministerio de Cultura, ante aquel desaguisado, bloqueó la concesión de la licencia de exhibición para la película.

Finalmente la película se estrenó años después, porque Alejandra Frade corrió con los gastos he hizo lo imposible porque se estrenara, ya que se convertía en una película netamente española. Y se estrenó en el Festival de Málaga, allí los actores dieron su opinión acerca de los hechos...

Y en resumen, aunque la firma del director de la misma es 'Anónimo' es obvio que el director fue el británico Radford, pero la película vió la luz gracias a su productora Frade. Así que finalmente, ha sido gracias a los dos por los que la película existe. Aunque el mayor interesado en su estreno sería el propio Eslava Galán, escritor de la novela que cuenta la historia de su padre. 

Centrándonos en el film, lo cierto es que no tiene mucha tela que cortar, para que vamos a engañarnos. La historia transcurre en el 1939, solo quedan tres meses para que acabe la Guerra Civil. El cabo Juan Castro (Mario Casas), un joven de Jaén que combate en el bando nacional, encuentra una mula perdida en medio del campo de batalla y decide esconderla para llevársela a casa al final de la guerra. Con su mula y las pocas pesetas que lleva en el bolsillo intentará conquistar a la chica más guapa que ha visto nunca (María Valverde).

Película entretenida, aunque si tuviera que recomendar películas de la Guerra Civil española sin duda optaría por 'Los girasoles ciegos' y 'Pa negre'.

10.000 km. Carlos Marqués-Marcet.

Ópera prima del joven director catalán que arrasó en el festival de Málaga el año pasado con cinco premios, también se llevó tres nominaciones a los Goya, y el premio al mejor director novel. Hay quien comparó en esta gala de los premios españoles, '10.000 km', con Stockholm de Rodrigo Sorogoyen. 

En mi opinión, ambas son buenas películas y todavía tienen más mérito sabiendo que son la primera criatura de dos jóvenes directores. 

No obstante, aunque '10.000 km.' es más realista y el espectador va intuyendo lo que va a ir pasando durante el film, y quizá pueda sentirse más próximo a los personajes, 'Stockholm' me pareció más cruda, fría y dura, aunque quizá menos real, o es lo que "quiere" pensar el espectador al enfrentarse a la realidad y maldad humana.

Centrándonos ya en el argumento, '10.000 km.' nos cuenta la historia de una joven y solida pareja afincada en Barcelona, que acaricia la idea de tener un bebe. 

Álex (Natalia Tena) y Sergi (David Verdaguer), tienen sus vidas encaminadas hacia un futuro común, llevan 7 años de relación, viven juntos, ella es profesora de inglés y él se prepara unas oposiciones, sólo les falta el bebé y es lo que en el momento de empezar la película están buscando. 

Pero todo cambia y se tambalea en el momento en que Álex consigue una beca de un año en Los Ángeles para llevar a cabo un importante proyecto.

¿Será capaz esta pareja de vivir separada por 10.000 km de distancia durante dicho tiempo?, ¿es tan sólida su relación como creen?

Película bien narrada, entretenida, realista y triste. Lo cierto es que hace ver lo débiles que son los cimientos en los que se asienta cualquier vida y relación humana. 

Lo creemos tener todo bajo control pero en tan sólo un segundo, lo que tantos años de nuestra vida nos ha costado construir, se puede venir abajo.

Locke. Steven Knight.

Sin lugar a dudas 'Locke' es una película que rompe los cánones del cine, en mi opinión es puro cine de autor. No había visto anteriormente nada de Steven Knight, pero claramente se observa con este film que poco le importa que su obra vaya a ser más o menos comercial ya que lo que realmente cobra importancia para él es adentrarse en los sentimientos más profundos y humanos con el fin de conectar directamente con el espectador.

El protagonista y único actor es Tom Hardy, al que vimos en 'Warrior' película de la que ya hablé en su día y que aprovecho para volver a recomendar. Para mi, Hardy no era un actor conocido la verdad, y bien es cierto que ha trabajado en muchísimas películas aunque siempre de secundario, por eso no lo tenía "fichado" y fue en 'Warrior' cuando me percaté de su existencia. Al parecer es un actor que escoge muy bien sus trabajos, y no parece ser el típico que participa en cualquier guion que le llega. 

Adentrándonos ahora en la trama del film, se nos cuenta como Ivan Locke, un prestigioso capataz de grandes obras que ha tenido que trabajar muy duro para alcanzar su sueño, se tiene que enfrentar a la más dura de las decisiones que ha tomado nunca. Todo esto justo en la víspera de su encargo más importante, la decisión le llevará a echar toda su vida por tierra lo que le hará emprender una peligrosa huida a contrarreloj.

Película recomendable aunque no por entretenida sino por original y 'humana'. Hay que encontrar el momento para verla.

Open Windows. Nacho Vigalondo.

'Open Windows' es la última película de Nacho Vigalondo, director y guionista de todas sus obras, tiene un cine un tanto peculiar, que puede gustar más o menos, pero lo que es seguro es que no deja indiferente a nadie.

 

Bien es cierto, que es más dado a la realización de cortometrajes que de largos, y creo recordar que de todo su haber tan sólo tengo visionada la película que hizo hace ya unos cuantos años 'Los Cronocrímenes' pero que ni tan siquiera recuerdo, la volveré a ver.

En este nuevo film, que ha pasado sin pena ni gloria por las salas españolas, ha echado mano de actores conocidos a niveles más amplios en lugar de usar a los actores españoles de turno, quizá para que la película traspasara fronteras.... aunque no sé si lo ha conseguido...

De hecho, el protagonista Elijah Wood, es muy dado a trabajar con directores españoles, como ya lo hizo con Eugenio Mira en 'Gran Piano' que fue un importante truño, por cierto, y con Álex de la Iglesia en 'Los crímenes de Óxford' quizá el film más flojo del director vasco. Probablemente, 'Open Windows' sea la mejor de las tres 'españolas' que ha realidado Wood.

La trama gira en torno a Nick (Elijah Wood) un chico con suerte a punto de conocer a Jill Goddard (Sasha Grey), la actriz más excitante del momento. Jill está promocionando su última película, y Nick ha ganado una cena con ella en un concurso on-line. Poco antes de salir del hotel para reunirse con ella, un tal Chord le comunica que la caprichosa actriz ha cancelado la cita. Para compensarlo, le ofrece a Nick la posibilidad de espiar a Jill durante la noche desde su portátil, Nick acepta casi obligado, y lo que comienza como un inocente juego se convierte pronto en una pesadilla tanto para él como para Jill.

Curiosa y entretenida.